L'art français

Hopare est un artiste complet qui mêle abstraction et figuration dans une dynamique faisant ressurgir les souvenirs du futurisme Italien du début du XXe siècle. La modernité, la vitess, le mouvement, l’homme nouveau, ses rapports avec la ville, une énergie vitale tout 

simplement, semblent animer les œuvres de ce jeune graffeur de talent. Les lanières de couleurs s’entrelacent pour faire surgir les formes et les visages de leur support. Hopare voyage et avance avec sa « roue » caractéristique et il nous permet de le suivre sur cette

Ses portraits sont particulièrement touchant grâce à cette technique particulière de fins « rubans de soie » délimités par des « fils de nylon » noir avec un maximum de détails. Les couleurs sont vaporeuses et aériennes, elles se soumettent au mouvement de la ligne, ligne et structure si importante dans le graffiti. C’est aussi cette linéarité souple qui donne ce cachet particulier au travail d’Hopare, une sensibilité à l’autre qui permet de s’identifier au modèle atemporel représenté. Ses portraits réalisés sur toile permettent de sentir encore un peu plus la précision et le caractère tactile de la ligne, nous rentrons dans un dialogue beaucoup 


route empreinte de poésie et de magie, dans son univers coloré et organique qui tranche avec la grisaille quotidienne des rues où elle prend place. 

plus intime à l’intérieur de la galerie. La transparence des tons et leur fraîcheur ajoutent une émotion et une résonance à la structure qui nous invitent à voyager vers un ailleurs lointain, fragile et féérique.

"Hopare est le pseudonyme de l'artiste Alexandre Monteiro, qui est né en France et vit aujourd'hui à Paris. En seulement quelques années cet artiste  a réussi à prendre la scène de l'art européen  avec ses images captivantes qui laissent une impression inoubliable sur tous ceux qui les voient.

Le travail de Hopare embrasse un mélange du figuratif et de l'abstrait avec le travail coloré qui contraste radicalement avec les rues grises contre lesquelles il est souvent visualisé. Bien qu'il ait juste 24 ans, Hopare a déjà gagné une certaine renommée. Son travail peut se trouver dans les villes européennes les plus importantes."

Art in tears

In 2010 Rose Lynn started a new project based on dried human tears in different situations, like joy, grief and irritation. Her project is called The Topography of Tears.

She studied  more than 100 tears from different people and situations ,she dried it and take photos of the view from the microscope.

And she found that basal tears( the ones our body produces to lubricate the eye) are different from the tears that come out from hard laughter or the tears that happen when we are chopping onions.

Onion tears

“I started the project about five years ago, during a period of copious tears, amid lots of change and loss—so I had a surplus of raw material,” She says. Because of that and the idea of “ everything we see in our lives is just the tip of the iceberg,visually”  she wonder  how a tear looks like close up.

Release tears

Joseph Stromberg of the Smithsonian’s Collage of Arts and Sciences explained that there are three different types of tears: basal, reflex and psychic.

Basal tears are the one s in our eyes all the time , and  have  function of  lubricating and protecting the eyes.

The second type  of tears , named reflex tears, are form to protect the eyes from irritants, like wind , smoke or onions.

Grief tears

Those two kind of tears are chemically different from each other.

The third type, psychic tears , are the ones related with emotions. Studies may reveal that this type has more proteins than the other two.

Remembrance tears

I hope you enjoy it. Thanks for read us.

El número áureo

El número áureo es un número irracional, representado por la letra griega Phi, en honor al escultor Fidias.

El número áureo surge de la división en dos de un segmento guardando las siguientes proporciones: La longitud total a+b es al segmento más largo a, como a es al segmento más corto b.

a+b=a+ba

En el caso de un segmento unitario, la Proporción Áurea proporciona la única forma de dividir la unidad en dos partes que están en una progresión geométrica.

La ecuación se representa de la siguiente manera:

Fue descubierto en la antigüedad, no como una expresión aritmética sino como una proporción o relación entre dos segmentos de una recta; o sea, una construcción geométrica. El primero en hacer un estudio formal del número áureo fue Euclides. Demostró también que éste número no puede ser descrito como la razón de dos números enteros; es decir, es un número irracional.

Obtiene el rectángulo áureo AEFD a partir del rectángulo ABCD. El rectángulo BEFC es asimismo áureo. AEFD y BEFC son semejantes.

Esta proporción se encuentra tanto en figuras geométricas como en el arte, la composición musical, en las proporciones de nuestro cuerpo y en la naturaleza (secuencia de Fibonacci): en las nervaduras de las hojas de algunos árboles, en el grosor de las ramas, en el caparazón de un caracol, en los folículos de los girasoles, etc.

EL NÚMERO ÁUREO EN LA GEOMETRÍA

Un ejemplo: la proporción áurea en el rectángulo.

El rectángulo es el polígono regular que contiene de forma natural la proporción áurea (las diagonales están en relación con los lados).

Construcción de un pentágono mediante la proporción áurea.

El Triángulo Áureo y el Gnomon Áureo están contenidos de forma natural dentro del pentágono. Esto demuestra que en el pentágono la razón entre la diagonal y el lado es Phi.

El Triángulo Áureo

El Gnomon Áureo

Cuando se dibujan todas las diagonales del pentágono se consigue un pentagrama. Cada intersección de partes de un segmento se interseca con otro segmento en una razón áurea. El pentagrama incluye 10 triángulos isósceles: cinco acutángulos y cinco obtusángulos. En ambos, la razón de lado mayor y el menor es Phi.

Se observa que dentro del pentágono interior es posible dibujar una nueva estrella, con una recursividad hasta el infinito. Del mismo modo, es posible dibujar un pentágono por el exterior.

EL NÚMERO ÁUREO EN EL ARTE

Se ha demostrado que la percepción de la belleza radica en la proporción áurea. Por ello, aquello que matemáticamente más se aproxime a phi, se percibirá como mas bello y como más bello y perfecto. Ésta noción de belleza y perfección es aplicable a estructuras arquitectónicas, pinturas, partituras musicales y personas.

MONUMENTOS:

LA PIRÁMIDE DE KEOPS, EGIPTO

EL PARTENÓN, ATENAS

LA MEZQUITA DE CÓRDOBA

NOTRE DAME, PARÍS

LA TORRE EIFFEL, PARÍS

EL TAJ MAHAL, INDIA

PINTURAS

LEDA ATÓMICA, DE SALVADOR DALÍ

LA CRUCIFIXIÓN, DE RAFAEL

LA PARADA DEL CIRCO, DE SEURAT

LAS MENINAS, DE VELÁZQUEZ

LA ANUNCIACIÓN, DE DA VINCI

LA MONA LISA, DE DA VINCI

EL NACIMIENTO DE VENUS, DE BOTTICELLI

LA SAGRADA FAMILIA, DE MIGUEL ÁNGEL

También podemos encontrar la proporción áurea en:

-Los violines, la ubicación de las efes y las eses.

-En las relaciones entre altura y ancho de los objetos y personas que aparecen en las obras de Miguel Ángel, Durero y Da Vinci.

-El arte Póvera fue un movimiento artístico italiano de los años 1960, muchas de cuyas obras se basan en ésta sucesión.

-En las sonatas de Mozart, en la "Quinta Sinfonía" de Beethoven y en las obras de Schubert y Claude Debussy.

Podemos concluir que está proporción está presente en el mundo que nos rodea y que aunque no nos percatemos las matemáticas generalmente nos rodean.

Dalí: arte místico-nuclear

Salvador Felipe Jacinto Dalí, nacido un 11 de mayo de 1904 en Figueres, es uno de los representantes del surrealismo, aunque a parte de genio también sería considerado por muchos un loco.

Perseguido toda su vida por el fantasma de su hermano muerto(autorretrato desdoblado en tres) ,con el cual se obsesionaría toda su vida, y también por las pesadillas recurrentes sobre su madre , representadas en El gran masturbador  y El sueño entre otros.

Dalí conoció a grandes artistas como Lorca , con el que tuvo una estrecha relación en sus años de universidad, o Picasso al que admiró durante mucho tiempo. ( A los dos les representó en numerosos cuadros: Retrato de Picasso, Afgano invisible con aparición sobre la playa del rostro de García Lorca en forma de frutero.)

Además su más grande musa fue su amante y más tarde esposa , Elena Dimitrevna Diakanova, más conocida como Gala.

Época religiosa:

Salvador Dalí recién llegado a una  España nacionalcatolicista en 1948 fue recibido en una atmósfera hostil y desconfiada.

Ese verano comenzó a trabajar en su primera versión de La Madonna de Portlligat, que supuso el comienzo del nuevo estilo místico-nuclear ( Como él mismo lo denominó, y sobre el cual en 1951,publicó un ensayo llamado Manifiesto Místico explicando el arte nuclear)

Durante la década de los 50, en la cual se declaraba a si mismo católico sin fe, observó la gran demanda de arte religioso contemporáneo, en gran medida por parte de millonarios norteamericanos. Debido a esto decidió pintar cada año una gran obra de arte con temática religiosa.

Por lo cual en 1950 pintó la segunda Madonna de Portlligat

En 1951 el Cristo de san Juan de la Cruz (adquirido por la Glasgow Gallery).

Cristo de San Juan de la Cruz

En 1952 expuso en Nueva York, seis pintura religiosas entre ellas Assumpta corpuscularia laspislazulina, esta representa la anti-bomba atómica , es la “reconstitución del cuerpo real y glorioso de la Virgen al reino del Cielo”.

Assumpta corpuscularia laspislazulina

En 1955 el Metropolitan Museum de Nueva York compró la crucifixión Corpus hipercubicus ( por el módico precio de 15000 dólares).

Corpus hipercubicus

Ese mismo año, durante el verano , se incorporaría al taller de Dalí el pintor-escenógrafo Isidoro Bea , junto al que pintaría La última cena.(Donado a la National Gallery of Art de Washington. Y que a pesar del breve período que estuvo expuesta , las primera hora , obtuvo más de 10 mil visitas).

La última cena

Los caligramas

Los caligramas son poemas escritos de tal modo que forman un dibujo con el texto. Generalmente el dibujo está relacionado con el contenido de los versos. Estos surgieron con el cubismo literario (corriente vanguardista) y se atribuye su creación al poeta francés Guillaume Apollinaire. Los primeros caligramas se publicaron en el sigo XX en una revista de París.

Guillermo de Torre es uno de los españoles que ha cultivado este interesante género. Como dice Joan Brossa, poeta español, “La poesía visual no es un dibujo ni pintura, es un servicio a la comunicación” .

Uno de los caligramas más famosos es el del francés nombrado anteriormente Guillaume Apollinaire, que dibujó la torre Eiffel durante la guerra mundial como muestra de nacionalismo y superioridad frente a los alemanes: SALUDOS MUNDO DEL QUE SOY LA LENGUA ELOCUENTE QUE SU BOCA O PARÍS SACA Y SACARÁ SIEMPRE A LOS ALEMANES.

Otro de ellos es el que dedicó a su amante durante la I Guerra Mundial, mostrando su personalidad más autentica. En este caligrama el poeta vanguardista experimentó con lo que posteriormente fue considerado escritura automática surrealista que nunca concibió como libro para ser publicado, se volcó con total sinceridad, hasta el punto que en Francia ocasionaron mucho escándalo, incluso tuvo problemas con la censura.

Artemisia Gentileschi (1593-1656)

Esta entrada estará dedicada a una gran pintora del siglo XVI y a sus obras de arte que,a pesar de ser poco conocidas pueden rivalizar con muchas actuales.

Artemisia Gentilleschi  nacida en Roma en 1593, era hija del pintor barroco Orazio Gentileschi, que fue quien la guió en el arte de la pintura en sus primeros años, enseñándole entre otros el estilo del tenebrismo (técnica pictórica que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes)

Ella pudo comenzar a pintar gracias a que su padre poseía un taller y era un maestro pintor bien establecido.

Artemisia es conocida principalmente por sus obras sobre historias bíblicas de mujeres y su sufrimiento, como es esta imagen que veis aquí.

Esta es su primera gran obra cuando ella tan solo contaba ¡con 16 años! Titulada Susana y los ancianos, en ella muestra la historia de Susanna del capitulo 13 del libro de Daniel, esta narra que Susanna se estaba bañando en su jardín, cuando dos ancianos comenzaron a espiarla. Cuando terminó de bañarse ellos la detuvieron y le dijeron que le contarían a todo el mundo que la habían visto teniendo relaciones con un joven (ella estaba casada y en ese tiempo la infidelidad era pagada con la muerte)a menos que tuviese sexo con ellos. Susanna se negó y los ancianos contaron el cuento a todo el mundo, ella fue condenada a muerte y justo antes de ser asesinada intervino el protagonista de la historia (Daniel) y les detuvo.

Asi que imaginad a una joven Artemisia tratando de pintar una escena en la que una mujer sufre un intento de violación, esta es la imagen de la derecha , es un muestreo con rayos X de cómo pintó al principio el cuadro.  En el se muestra a una mujer grotesca, con cara de horror , Y CON UN CUCHILLO. Pero posiblemente alguien le advirtió , ¿Cómo una mujer podía verse de forma tan grotesca? Las mujeres tenían que ser débiles, no había cabida para un arma en manos de una de ellas. Tenían que ser tranquilas y , aunque estuviesen siendo forzadas había que parecer  hermosa y tener una actitud de damisela en apuros. Así que ella posiblemente lo cambió y quedó como en la imagen de la izquierda.

Después de eso su padre en 1611 contrató a  Agostino Tassi un artista de esa época para que hiciese de tutor de Artemisia y le ayudase con sus pinturas, pero desgraciadamente Tassi la violó, y prometió a cambio casarse con ella, aprovechándose de esto , la forzó repetidas veces y luego se casó con otra mujer . Al tiempo la joven le contó a su padre Orazio lo que había sucedido y este llevó a juicio a Tassi, después de 7 meses de torturas hacia Artemisia, se encontró culpable a Tassi y fue condenado a un año de cárcel, que ni siquiera cumplió.  

Un mes después  de este suceso Artemisia fue rápidamente casada con Pietro Antonio Stiattesi.

Y comenzó un nuevo período de su vida , pintando uno de sus cuadros  más conocidos.

 Este cuadro es  Judit decapitando a Holofernes , habla sobre la historia bíblica en la cual Holofernes, un general asirio que lideraba las tropas que iban a invadir y destruir Bethulia, la casa de Judith, ella decidió tratar este mal acercándose a él, flirteando y agotándolo con comida y vino. Cuando este calló dormido Judith y su dama de compañía cogieron la espada  del general y le decapitaron, evitando así la catástrofe.

Comparad esa obra( superior) con esta de Caravaggio(inferior) , representando la misma escena:

¿Impresionado?

Deberías , en la obra de Caravaggio se muestra a una Judith ,pura( por el vestido  blanco ,sin una mancha de sangre) y que hace que cortar una cabeza parezca algo bastante sencillito de hacer, además no parece que sea consciente de lo que está haciendo , y a Holofernes tampoco parece importarle, ni siquiera parece luchar contra ellas. Este es un claro ejemplo de cómo las mujeres eran representadas en la antigüedad , Judith parece mas molesta que otra cosa.

Mientras que Artemisia , muestra la brutalidad y el esfuerzo de este acto , ves como Judith está prácticamente poniendo todo su peso en la espada y como su doncella la ayuda , es una tarea más complicada de lo que parecía ¿no? Puedes atisbar sus caras que reflejan esfuerzo y determinación,y como Holofernes intenta luchar contras estas dos mujeres al tiempo que parece ahogarse. Además ,¿ Te fijaste en la sangre? Mientras que la de Carvaggio parece más bien kétchup y apenas hay , en la obra de Artemisia, se puede ver como ella conocía el color de la sangre, aparece más real… mas repugnante y menos brillante, y como , esta mancha todo a su alrededor, incluso los vestidos de las damas tienen rastros.

Y esto es solo una pequeña muestra de la historia de Artemisia, la cual murió en 1654 a la edad de 61 años.

La química del arte

Todos nosotros hemos visto obras de arte pero, ¿Sabemos realmente de que está formada la pintura que recubre el lienzo?

Sabias tu acaso que en el siglo XIX se utilizaba como tono grisáceo un color denominado Momia compuesto por ceniza de hueso , asfalto y polvo pulverizado de momia.

En esta entrada hablaremos sobre los diferentes pigmentos más utilizados por los artistas al oleo, sus componentes químicos y sus nombres.

Pigmentos Blancos:

En los blancos hay varios utilizados a lo largo de los siglos , pero que han sido descartados por su toxicidad o por la poca resistencia a lo largo del tiempo, claro ejemplo es el Blanco de plomo (PbCO3, carbonato básico de plomo).

El más utilizado es el Blanco titanio/blanco rutilo:

Su composición es : óxido de titanio (TiO2).

Es el color más utilizado actualmente , a pesar de que su descubrimiento se remonta al siglo XX,  no es utilizado hasta 1921 por un fabricante estadounidense y poco a poco sustituye al blanco de zinq, que es el pigmento utilizado hasta este momento con mayor frecuencia.

Pigmentos Negros:

Uno de los más utilizados antiguamente era el negro de humo:

Este se obtiene mediante la combustión de hidrocarburos, aceites resinas, etc. El mejor negro de humo es aquel que se obtiene por combustión del alcanfor.

Aparte también se ha utilizado la tinta china, esta es utilizada especialmente en china y Japón , pero también tiene usos pictóricos, y está formada  por partículas de carbón proveniente de la cocción de ramas de árboles no resinosos, muy trituradas, o bien del hollín de la combustión de aceites vegetales (hidrocarburos).

El utilizado actualmente es el Negro Laca /Negro anilina:

Fórmula química: C6H7N

Tras su descubrimiento en el año 1863 se utilizó el negro de anilina en grandes cantidades para diferentes aplicaciones.

Pigmentos rojos:

En sus inicios se utilizaban cromatos de plomo, para dar tonalidades rojizas, anaranjadas y amarillenta, pero que han sido sustituidos por los colores de cadmio (introducidos en 1797).

Rojo de cadmio:

Composición: Sulfo-seleniuro de Cadmio

Fórmula química: CdS CdSe

Su uso no se extendió hasta  1849 y sustituyó a muchos otros pigmentos, entre ellos al  Caput mortuum (compuesto por Fe2O3 u óxido de hierro)que se utilizaba en la antigüedad, el nombre deriva de la expresión cabeza muerta, pero este pigmento es más conocido por el sobrenombre de púrpura cardenal a pesar de ser rojo.

Pigmentos azules:

Azul Prusia: (Ferroianuro férrico/ Fe₇C₁₈N₁₈ ) Es un pigmento azul descubierto por Diesbach (pintor alemán del siglo XVIII) en Berlín en 1704.

Azul ftalocianina: (C32H16CuN8) es el actual sustituto del azul de Prusia, es un azul concentrado sin mezclar.

Pigmentos verdes:

Verde cromo: (Óxido de cromo / Cr2O3) Este fue descubierto por Pannetier en el siglo XIX.

Virirdian: o mas conocido como verde esmeralda,( Óxido de cromo hidratado/ Cr2O3 · 2 H2O), es un color claro , pero reafirmado. Tiene el color de la piedra preciosa a la que debe su nombre.

Pigmentos amarillos:

Amarillo de cromo: (PbCrO4/ Cromato de plomo)Fabricado por primera vez  por el químico francés Louis Nicolas Vauquelin en 1809. Vauquelin fue un químico, naturalista y farmacéutico. Es también conocido por aislar por vez primera un aminoácido, la asparagina, junto con  Pierre Robiquet.

La típica paleta de un aficionado al arte esta compuesta por los colores básicos: blanco , amarillo, azul,magenta y negro. Para luego conseguir el resto haciendo mezclas, aunque ya cuando se hacen cosas de mayor calibre se suelen utilizar diferentes pigmentos , con diferentes tonalidades y colores concretos. Como es el caso de esta paleta, que ha sido utilizada para pintar el cuadro que se muestra a continuación:

Los colores son:

Blanco titanio

Amarillo azo claro

Rosa criquidona/magenta

Azul cerúleo

Ocre amarillo

Negro marfil